Una tapa totalmente blanca, con el nombre del grupo y un número correlativo, los temas musicales, fotografías enmarcadas en un gélido fondo ausente de color, con los rostros maduros y serenos de la banda, dejó a muchos estupefactos. El simple hecho de poder escuchar treinta nuevas piezas era por demás atrayente. Muchas (la mayoría) han quedado grabadas para siempre en la memoria colectiva de varias generaciones y algunas pasan desapercibidas por su intrascendencia.

El 22 de noviembre de 1968 se publicaba el álbum doble titulado Los Beatles, que con su diseño mínimo, mostraba la simplicidad a la que se orientaba el nuevo sonido que surgió del retiro espiritual en la India, en Rishikesh, donde trataron de encontrar un nuevo sentido a sus vidas.

Mucho había cambiado desde su último trabajo publicado en diciembre de 1967 (Magical Mistery Tour), el “Verano de Amor” había terminado y muchos sueños fueron destruidos, en 1968 Martin Luther King y Robert Kennedy eran asesinados y la Guerra de Vietnam recrudecía. El Mayo Francés hacía cuestionar a toda una generación la estructura establecida por sus mayores. Los Beatles ya no eran tampoco los mismos, mucho más serios, habían dejado muy lejos a los jóvenes melenudos de la beatlemania y a los místicos psicodélicos de Sgt Pepper.

Recorrer el contenido de los discos es adentrarse en el último esfuerzo conjunto de la banda que iniciaba su lenta desintegración, individuos que emergían con su propia música e intereses. Lo primero que se escucha es “De regreso en la URSS” (Back in the USSR) con el sonido trepidante de un avión arribando con su característico chirrido, con alusiones a la Unión Soviética, chicas de Moscú y Ucrania bastante encendidas y Georgia la patria de Stalin. La banda empieza luciéndose como un grupo rockero de inigualable ritmo, donde Paul hace alusiones a camaradas comunistas y granjas colectivizadas, empezando el periplo musical.

“Querida Prudencia” (Dear Prudence), es una evocación de Lennon a una hermana de Mia Farrow, que en el retiro de la India apenas salía para departir, como una apología al sol que brinda sociego y esperanza, con guitarras estilizadas en delicada secuencia con  armonías ascendentes y descendentes . “Cebolla de Vidrio” (Glass Onion) también de John , hace aparecer el surrealismo al que nos tiene acostumbrados, con un montón de claves en viejas canciones que confunden y al mismo tiempo hacen que el auditorio siga preguntándose qué trata de rebelar.

“Ob la di Ob la da”, si bien tiene un ritmo contagioso y optimista, parece ser demasiado frívola para un momento donde la revolución y el cambio están insertos en las ideas e idiosincrasias juveniles. Las divergencias de Lennon y McCartney serían muy agrias por esta canción, debido a que se le dedicó demasiado tiempo y John definitivamente odiaba la composición de Paul. Es seguida por un corto “Pastel de Miel Salvaje” (Wild Honey Pie). ¿Por qué se desperdició espacio en ese tema tan absurdo y sin sentido?

“La continua historia de Bungalow Bill” ( The continuing story of Bungalow Bill), nos transporta a las imágenes mentales de Lennon que parece plasmar una historieta como en sus tiempos de estudiante de Liverpool (recuérdese al perro luchador) de un héroe venido a menos. “Mientras mi guitarra gentilmente llora” (While my guitar gently weeps) es una de las primeras grandes composiciones de George Harrison que se luce con letra y música en un rock genuino y poderoso, sin trucos ni muletillas hindús, con la participación destacada de su mejor amigo Eric Clapton en la guitarra solista, quien funge como un emoliente para aliviar las fricciones dentro de un grupo que ya tenía sus marcadas fisuras. Un invitado al estudio permitía que se comporten nuevamente bien y como en una familia, cuando vienen visitas, no muestren – a decir del propio Harrison – los cabrones que eran.

“La felicidad es una pistola caliente” (Happiness is a warm gun) , tiene dos interpretaciones,  una de corte sexual por lo evidente del título o una oculta apología a la continua necesidad de heroína que obnubilaba a Lennon durante ese periodo, con letras ambiguas y una maravillosa fuerza intrínseca, clamando a gritos que necesita un “arreglo” o se iba abajo.

“Mi querida Martha” (Martha my dear), es interpretada por Paul, en un tema típicamente pop con muy buen ritmo marcado por un piano acompasado por estupendos bronces, dedicando una melodía a su mascota canina, peluda, revoltosa y cariñosa. Pero John no estaba para ternuras, sus crisis existenciales emergentes de su disconformidad y su reciente divorcio, hacían emerger una estupenda canción llamada “Estoy tan cansado” (I’m so tired), un vivo reflejo del hartazgo de una relación conflictiva, sin futuro, donde pide a gritos algo de paz mental.

McCartney llega a un punto alto con “Mirlo” (Blackbird), una melancólica melodía en guitarra acústica, que habla de un ave malherida que repara sus alas para finalmente partir. Velado homenaje al asesinato de Martìn Luther King y el Movimiento de los Derechos Civiles de la gente de color. Harrison arremete con “Cerditos” (Piggies) donde la ironía y la puntillocidad contra las clases altas, se enhebran con magníficos acordes de clavicordio y chelos, en un ritmo barroco emulando el estilo de Bach.

Paul en Rocky Racoon o “Rocky Mapache”, narra como en un western, la historia de un hombre frustrado por su novia que lo abandona por otro y que al final, cuando pretende cobrar cuentas, el protagonista sale golpeado y baleado por su rival con su misma arma, con una Biblia de los Gedeones en el velador , como sórdido detalle en un cuartucho de pueblo. “No me ignores” (Don’t pass me by) es el único aporte de Ringo en el álbum, bastante monótona en un ritmo hillbillie campesino, un tanto aburrido y predecible.

Para no quedarse a la saga en alusiones de contenido sexual, McCartney con voz ronca pregunta: “Por qué no lo hacemos en la carretera?”(Why don't we do it in the road)  improvisando algo diferente en un camino que ya se hace “largo y sinuoso”, siendo seguido por una típica melodía dulzona, “Lo haré” (I will) , para concluir el primer disco con una elegía de Lennon para su madre “Julia”, muy dentro de la onda poética de Khalil Gibran.

El segundo disco inicia en forma ruidosa y frenética con el tema de Paul “Cumpleaños” (Birthday), donde nuevamente el grupo se reencuentra en lo simple, para continuar con “Yer blues”, donde nuevamente Lennon plasma su capacidad lírica al máximo en un crudo y viejo rock&roll, que surgió a decir de Ringo, cuando los cuatro miembros se reunieron en un cuarto y en un solo micrófono plasmaron la canción sin problemas de ego y sobreproducción.

“Hijo de la Madre Naturaleza” (Mother Nature Son) , nos transporta a un lugar idílico donde las reflexiones de un Paul huérfano, hacen una evocación a su madre, en un reencuentro con la naturaleza a lado de un arroyo florido.

Para bromas lennonianas basta la siguiente: “Todos tienen algo que ocultar excepto yo y mi mono” (Everybody got something to hyde except me and my monkey), alusión directa a la voz nasal del Maharishi y a sus instrucciones o sus frases para animar a sus seguidores en Rishikesh, cansados de una malísima comida vegetariana que los hizo adelgazar muchos kilos y los hizo crecer un día más.

En “Sexie Sadie”  Lennon vuelve a hacer mención al Maharishi, preguntándole por qué engañó a todos, rompiendo reglas , trastornando a todos a su paso , reflejando la amargura de la desilusión respecto a sus enseñanzas espirituales que no estaban exentas de ambiciones materiales y deseos carnales , sino pregúntenle a la hermana de Mia Farrow. El Maharishi dijo posteriormente  que estaba disgustado por el exceso de hierba y alcohol de John y George en el retiro espiritual, Paul y Ringo se largaron antes por aburrimiento.

“A diestra y siniestra” (Helter Skelter) es uno de los mejores aportes de McCartney, prácticamente es la semilla germinal del heavy metal y del movimiento punk. Fuerte, explosiva, dura en sus acordes, oscura en sus alusiones, fue tan fuerte su influencia, que perturbó a Charles Manson y su "familia" , haciendo que piensen que era el mensaje secreto para el inicio del apocalipsis final, en una seguidilla de crímenes atroces que aterrarían al mundo del espectáculo. “Tanto , Tanto, Tanto” (Long, long, long) es otra canción de Harrison que parece una protesta soterrada y letárgica, por su frustración ante un grupo y una vida que parecen aprisionarlo.

“Revolución Nº1” (Revolution N°1), es una versión más lenta y con fondo de bronces , de la canción de Lennon que fue cara B de “Hey Jude”, titulada “Revolución”, que es mucho mejor y más rockera que esta versión del álbum. Sigue “Pastel de Miel” (Honey Pie) que recuerda la música de los cuarenta, donde las orquestas de salón, contaban historias fallidas de amores cortados por la guerra o la inmigración forzada buscando el sueño americano. En este caso, Paul interpreta la canción con elegancia y un bien logrado ambiente de “music hall”.

“Trufas en el Savoy” (Savoy Truffle) muestra a un Harrison sarcástico con letras retorcidas y casi forzadas, mostrando el sinsentido de la fama. “Llora, bebe, llora” (Cry baby Cry), muestra a un Lennon con sus extrañas historias enredadas donde mezcla y retuerce personajes de duques, reyes y reinas como Lewis Carroll en Alicia. Con un misterioso intro ingresa la pieza más controversial del album “Revolución N°9” (Revolution N°9) , con cintas y voces pasadas al revés y a diferentes velocidades , es caótica, opresiva, maniática , desconcertante, más próxima a lo que John y Yoko Ono hacían por su cuenta , que a lo que  hacían Los Beatles. Una vorágine desconcertante de sonidos que reflejan entre gritos, cañones, llantos de bebes y multitudes caldeadas, el sinsentido del Siglo XX.

Finalmente, Ringo cierra la obra con una canción compuesta por Lennon para su hijo , “Buenas Noches” (Good Night), conmovedoramente orquestada por George Martin finaliza uno de los discos más completos de la historia de la música contemporánea.

El Album Blanco ha sido extensamente estudiado, hay estilos para todos los gustos, un resumen perfecto, con aspectos coloridos y prismas diversos de sus compositores. La simpleza de su presentación, mostraba la intención de Los Beatles de retornar a sus viejas raíces, sin los trucos complicados de Sgt. Pepper, dejando atrás la psicodelia.

Pero también fue el punto de inflexión, donde irónicamente trabajaron individualmente y ya no como grupo, es decir un compositor con su excepcional grupo de músicos de estudio. Las sesiones fueron extremadamente tensas: Ringo se sintió ofendido por el excesivo perfeccionismo de Paul y se largó por dos semanas, George estaba descontento por tener únicamente cuatro canciones y para rematar la presencia de Yoko a lado de John se hizo inesperada, molesta e insoportable , en un estudio donde antes solamente concurrían los miembros y ocasionalmente el productor o los ingenieros de sonido.

Según George Martin el no se encontraba de acuerdo con un disco doble, había sugerido un espléndido disco normal. Ringo también apoyo esa idea y dijo que hubiese sido mejor también separarlos en dos, uno denominado “el blanco” y el otro “el más blanco”. La diversidad hizo chocar egos y estilos de Lennon y McCartney, ¿Cómo conciliar “Revolución No. 9” con “Ob la di Ob la da” que eran diametralmente opuestas? Parecía que el grupo ya no era una unidad creativa común, eran músicos con visiones y caminos que se bifurcaban por su cuenta lentamente , por lo que era sólo cuestión de tiempo la separación final.

Han transcurrido cincuenta años, el Álbum Blanco y su diversidad musical aún sigue cautivando, se pensaba que después de “Sgt. Pepper” no podrían llegar a otro pico creativo y lograron escalar otro y no repetir la fórmula, volvieron a reinventarse. La enigmática sencillez de su presentación mostraba la faceta de unos enigmáticos, insatisfechos y sofisticados Beatles que podían cambiar estilos a placer llegando en algunos momentos a la genialidad, aunque ya era el preludio del ocaso.